São muitos eventos na cidade. No último sábado estive na abertura da exposição “O Cinema em Cartaz” (aproveite e entre no link para ver alguns exemplares), no Museu de Arte Brasileira da FAAP. A mostra tem cartazes de filmes de diversas nacionalidades e épocas, desde comemorativos dos irmãos Lumiére até de filmes que ainda nem entraram em cartaz, como o Cegueira, de Fernando Meirelles, previsto para entrar nos cinemas brasileiros em setembro. Está dividida em várias sessões, pelos ilustradores, pelo país de origem dos filmes e por temas, além de uma sala temática para os filmes mais comerciais, do Star System, e outra de filmes produzidos por alunos e professores da FAAP. As ilustrações são de grandes nomes como Ziraldo, Lina Bo Bardi, Angeli e de anôminos. Utilizam técnicas variadas, como fotografias, montagens, xilografias e outras.

O mais interessante foi sentir que em diversos momentos deu para notar a proximidade dos cartazes com as diferentes estéticas dos contextos históricos e que, em geral, eles estão alinhados aos diferentes momentos da história da arte. Os cartazes de filmes húngaros, por exemplo, da década de 70, lembraram um pouco os trabalhos de artistas modernistas. Já os russos eram, em geral, montagens de desenhos com fotografias, enquanto muitos filmes brasileiros foram feitos por cartunistas. A sala temática imita a entrada de uma sala de cinema da São Paulo dos anos 40, tema de inspiração para a cenografia da exposição, do escritório ARKITITO, dos irmãos Chantal e Tito Ficarelli. Eu não notei exatamente a relação com São Paulo, porém a distribuição ficou agradável, com paredes de vidro como suporte, além de transportar o público para o clima do universo do cinema, seja através da música ambiente, composta de trilhas sonoras dos filmes, seja pela ambientação.

Alguns cartazes já são conhecidos, mas você verá algumas pérolas, como As Mil e Uma Noites, Barravento, Berlim, Sinfonia de uma Cidade, O Poderoso Chefão, entre outros. Um dos que me chamou atenção foi do filme Seara Vermelha, com desenhos do Carybé. A curadoria foi feita pelos professores Rubens Fernandes Junior e Maximo Barros e os cartazes fazem parte da coleção da Filmoteca FAAP, que tem mais de três mil peças, além de fotos de Still, dvds e películas. A exposição vai ficar em cartaz- permitam-me o trocadilho- até dia 16 de setembro, no salão cultural da FAAP!

Enquanto estou aqui escrevendo, encantada com as relações da música com o cinema, descubro duas mostras que vão ocorrem em São Paulo justamente sobre isso. A minha idéia hoje era escrever sobre o que deixei em suspenso no post anterior, mas achei interessante comentar esta mini-agenda cultural.

O CCBB (Centro Cultural Banco do Brasil) está com a mostra “Luz, câmera, música!: Cineastas compositores”, cujo mote é este mesmo do título: diretores que criam suas próprias trilhas sonoras. Na programação, são 14 filmes de 7 diretores de diferentes nacionalidades, de Emir Kusturica (A Vida É Um Milagre) a Carlos Reichenbach (Alma Corsária). A mostra acontece no Rio de Janeiro (de 5 a 17 de agosto), São Paulo (de 20 a 31 de agosto) e Brasília (de 19 a 31 de agosto).

Já a Cinemateca Brasileira vai começar a II Jornada Brasileira de Cinema Silencioso, que acontece entre os dias 8 e 17 de agosto. A proposta é exibir filmes menos conhecidos e sem música, mas com acompanhamento musical feito por músicos atuais. A organização dos filmes foi pensada em cinco frentes 80 Anos do Chaplin-Club, Cinema Silencioso Japonês, Paolo Cherchi Usai Apresenta, Destaques de Pordenone e Janela para a América Latina. Em paralelo aos filmes serão feitas oficinas e mesas de discussã.

Bom, é isso aí. Interessados sobre o tema poderão se divertir bastante…

*Agradeço ao meu mais assíduo leitor pela dica que fez surgir a idéia do post de hoje.

Lembro-me como se fosse ontem. Um fantástico espetáculo sobre música e cinema no Theatro Municipal de São Paulo. Não sei ao certo há quanto tempo ocorreu, mas lembro da força e beleza do evento. A orquestra acompanhando trechos dos filmes projetados num telão. Diria que é um dos melhores casamentos: cinema e música clássica. Talvez pela própria semelhança da estrutura entre ambos, regidos cada qual pelo seu maestro. Um para imagens, outro para o som. E quando a parceria é certeira, não há como falhar. Algumas músicas são apenas trilhas sonoras, ficam lá no fundo e quase ninguém nota. É o caso da maioria. Outras, são bem mais elaboradas e compostas especialmente com um diálogo com o diretor, com o roteiro do filme prontinho. Hoje vou falar apenas de um exemplo.

Em Três Homens em Conflito (1966), a combinação da direção de Sergio Leone com as composições de Ennio Morricone é impagável. O filme conta a história de Blondie (Clint Eastwood), Tuco (Eli Wallach) e Angel Eyes (Lee Van Cleef), respectivamente o Bom, o Mau e o Feio- do título em inglês “The Good, The Bad and the Ugly”. Os primeiros dez minutos são tudo o que não imaginava num western e só depois de outros vinte minutos de belas fotografias e poucos diálogos conhecemos os três personagens. Aliás, não me recordo de uma introdução tão boa quanto esta. A história da corrida destes trio atrás de uma fortuna escondida tem a Guerra Civil americana como pano de fundo. São esses os elementos para um western repleto de cenas sensacionais. Uma das melhores é duelo a três da seqüência final (sugestão, se você for daqueles que não gostam de saber o final da história antes, nem tente procurar sobre, veja o filme e aguarde o final). Ou ainda, aquela em que o lacônico Blondie acende um pavio de canhão com seu cigarro. Lembrei de uma cena de A Lenda do Pianista do Mar (cuja trilha também é do Ennio Morricone), em que um cigarro é aceso nas cordas de um piano, após um duelo de pianistas….dá arrepios!

Mas como estou falando sobre música, nada melhor do que mostrar uma cena em que ela é tão protagonista quanto o personagem. Desta vez, Tuco, o feio, está em um cemitério. Com a música “The Ecstasy of Gold” (detalhe: ela é tocada integralmente), o trecho ganhou ainda mais força! Confira você mesmo, só para ficar com o gostinho de assistir o filme. E guarde seus preconceitos, para não fazer como eu e morder a língua depois de tanto mal dizer os westerns.

Ennio Morricone fez composições e arranjos para centenas de filmes e a lista de prêmios dele é muito, muito extensa. Daria para fazer um post por dia sobre suas contribuições musicais para os filmes, renderia assunto para mais de ano. Vale dizer o mesmo sobre Leone e a trilogia da qual o filme citado faz parte. Por enquanto, acho que está de bom tamanho. Na minha próxima passagem vou comentar sobre outras músicas, que não foram feitas especificamente para os filmes, mas que foram brilhantemente incorporadas a eles.

***O post de hoje é uma homenagem a um amigo meu que me abriu os olhos para tudo o que foi discutido aqui sobre o filme, Clint, Leone, o western spaghetti (como também são conhecidos filmes do gênero feitos por diretores italianos) e, claro, me inspirou para pensar um pouco sobre o tema da música e do cinema.

Como as coisas por aqui andam bem paradas, ao contrário da verdadeira correria que está o meu dia-a-dia, pensei em trazer para cá uma leve mudança de ares. Esta reportagem saiu na Revista Trip, por autoria de Ronaldo Bressane. Achei que merecia ser divulgada, dado o brilhantismo do assunto.

Estou falando do trabalho do jornalista mexicano Roger Omar, que compilou 142 sonhos de crianças e repassou para grandes artistas ilustrarem. A idéia de ouvir os sonhos da criançada é, por si só, fenomenal e é um prato cheio para conhecer um pouco do que passa na cabecinha desses pequenos seres. Os artistas também complementam o projeto, cada um com sua leitura, imprimindo ali seus traços e a sua forma de percepção do sonho.

Elmonstruodecoloresnotieneboca, nome do seu flickr, surgiu do sonho de uma das meninas ouvidas (veja bem o nome têm significado e traduzido torna-se algo assim “O monstro de cores não tem boca”). Aproveite que os links já estão aqui e dê uma olhadinha na matéria e no flickr, onde você pode ver as descrições dos sonhos, além de todos os desenhos.

Para entrar no clima, aproveite e ouça “Noite Severina“, de Ney Matogrosso e Pedro Luís e a Parede, de onde escolhi o verso que dá título a este post.

Não é só de cinema que se vive a vida. Por forças maiores, faz uma semana que não vejo um filme sequer. Sou uma cinéfila admitida e neste instante estou tendo calafrios e me sinto enjoada- imagino que sejam por abstinência.

Redescobri neste tempo, porém, minha outra grande paixão. Aprendi desde miúda, com minha mãe, a também ser rato de biblioteca. Não que eu tenha abandonado e trocado o outro vício por este e vice-versa, mas fazia um bom tempo que não lia romances e peças com tanto gosto, já que livros teóricos de socilogoia, cinema, antropologia, comunicação e política me dominavam e me consumiam.

Engoli umas boas páginas esta semana. Comecei com José Saramago, um português com jeitinho mal humorado que escreve com formas de crescer inveja em qualquer um. Agora ele está famoso pela adaptação que o brasileiro Fernando Meirelles fez do seu Ensaio Sobre a Cegueira para o cinema, mas não é deste assunto que venho falar. Em As Intermitências da Morte, livro de 2005, Saramago conta como “no dia seguinte, ninguém morreu” por um capricho da Morte- ou da morte, com letra minúscula (só lendo para entender essa…). Deste enredo um tanto surrealista, encontramos situações tipicamente humanas e vemos retratadas atitudes do Estado, da Igreja, das máfias e pequenas e grandes corrupções com muita ironia e sarcasmo. Eu tenho a sensação de que Saramago é um discípulo distante de Machado de Assis- e se assim fosse, ousaria dizer que a criatura saiu melhor ainda do que o criador.

Delírios à parte, depois de trombar com Hélio Oiticica, Lygia Clark e sua turma nas artes plásticas; com Gil, Caetano, Tom Zé e toda a Tropicália; com Glauber, Sganzerla e companhia inventando o Cinema Novo, Marginal e etc., pensei que seria bom voltar ao começo de tudo com nossos modernistas. Foi aí que pesquei da prateleira O Rei da Vela, peça de Oswald de Andrade. Hoje vejo que os modernistas foram muito mais influentes na nossa cultura do que eu poderia ter previsto na época em que tive minhas experiências anteriores de literatura moderna, limitada aos clássicos do tipo Macunaíma.

Agora, entrei no fantástico mundo de Cem Anos de Solidão, de Gabriel Garcia Marquez. Os Aurelianos, Josés Arcadios, Remédios e Úrsula me sugaram para uma Macondo de tal forma que não gostaria de sair de lá tão cedo e mesmo assim tenho ânsias de ler o livro. Deste, prefiro não falar muito. Deixarei essa para o própiro Garcia Marques, em maravilhoso trecho da obra:

Ao ser destampado pelo gigante, o cofre deixou escapar um hálito glacial. Dentro havia apenas um enorme bloco transparente, com infinitas agulhas internas nas quais se despedaçava em estrelas de cores a claridade do crepúsculo. Desconcertado, sabendo que os meninos esperavam uma explicação imediata, José Arcadio Buendía atreveu-se a murmurar:

- É o maior diamante do mundo.

- Não- corrigiu o cigano- É gelo.

Depois dessa, cá entre nós, preciso dizer mais algum coisa?

Outro dia, um amigo sugeriu que eu escrevesse também sobre filmes mais antigos. Expliquei que não tinha muita razão para ainda não ter feito isso. Esta semana, o mesmo amigo comentou de um belo filme, desses que não são novos, e resolvi falar sobre ele. Então, vamos lá.

Ninguém Pode Saber (veja o trailer no link), de Hirokazu Kore-eda, é um filme de 2004. Tudo começa com uma mãe e seu filho mais velho, um menino de 12 anos, em plena mudança de casa. Há um exagero de cuidados com as malas que eles carregam. Quando entram no apartamento nós descobrimos outras três crianças dentro das malas. A mãe os faz prometer que ficarão escondidos do resto do condomínio. O único que realmente existe ali é o menino Akira. Em pouco tempo, ela abandona os quatro filhos vivendo sozinhos naquele apartamento de Tóquio. A angústia que nos persegue durante todo o filme é que, aquilo que vemos, toda a degradação e descaso, está baseada em uma história real acontecida em meados dos anos 80. A ausência das figuras paterna e materna, esta última presente apenas algumas vezes, pelo dinheiro enviado pelo correio; a miséria; a falta de estabilidade financeira e a impossibilidade do pequeno trabalhar; a instauração do caos; a vontade de sobreviver e o amadurecimento forçado de Akira. A partir disso, a responsabilidade, a moral, a degradação e todo um alicerce social, não apenas do Japão, mas da humanidade, é discutido.

Do mesmo diretor, outro filme maravilhoso, de 1998. O roteiro de Depois da Vida (aqui também tem vídeo) é muito original, discute a pós-morte e assim reflete profundamente sobre a vida. Na história, as pessoas mortas precisam passar por um local antes de continuarem o seu caminho na eternidade. Seria uma repartição pública? Um escritório? Ou um intermediário entre o céu e o inferno? Um purgatório? Isso de fato não importa muito. Para continuarem seu caminho aquelas pessoas têm uma difícil tarefa, precisam escolher uma única lembrança, de todas da vida. O momento escolhido é reproduzido, com a ajuda dos funcionários, e filmado, para ser levado na memória para sempre. Há quem se revolte em escolher uma, ou que não consiga se decidir, dada a quantidade de opções e outros que não se lembrem de algo que quisessem levar. Surgem as mais diversas memórias, algumas engraçadas, outras melancólicas, simples ou cotidianas. Por fim, a metáfora do cinema, como aquele capaz de reproduzir memórias, guardando-as para a eternidade é uma homenagem. Comentando um texto de outro amigo, sobre a memória de acampamentos na infância, tive vontade de dizer que somos feitos de lembranças. E como não? São elas- e a ausência delas- que alimentam o hoje e os planos e desejos futuros. Você saberia escolher a sua lembrança?

Nos dois filmes a beleza está no prolongamento do tempo de reflexão e nas pequenas coisas do cotidiano, tão importantes e evidentes no cinema oriental e, às vezes, ignoradas por outros cinemas que gostam das grandiosidades. É claro que quando falo aqui em “cinemas” estou querendo dizer um tanto a mais…

Para quem não conhece Wong Kar-Wai, Um Beijo Roubado, será uma boa surpresa. Para quem já está dentro de sua obra, a sensação talvez não seja muito diferente das anteriores. O enredo é relativamente simples, mas só relativamente, afinal fala do amor, do amor como algo maior do que uma relação-casal. E assim, somos apresentados a Elisabeth, Norah Jones, na sua versão atriz, que tem uma desilusão amorosa e entra no comum ciclo de solidão e ausência que todos nós passamos. Para retomar a vida sai em uma viagem pelos Estados Unidos. Não espere um road-movie, pois há muito pouco de road neste filme, talvez porque aqui o que importa são as paradas e não a estrada, alucinadamente acelerada em alguns pequenos trechos. Nestas paradas é que vamos conhecer a relação da moça com Jeremy (Jude Law), dono do café-bar, com outros conhecidos e, principalmente, dela com ela mesma.
Alguns dizem que o filme é um tanto irregular. Talvez porque a vida seja assim. No primeiro momento, o filme se passa dentro do café-bar de Jeremy, com conversas, bifes e muitas tortas de blueberry. E porque não? Afinal, Elisabeth estava também sem rumo e precisava desacelerar. Enquanto ela busca um caminho, nós espectadores nos encantamos com os simbolismos e diálogos entre aqueles dois estranhos e amigos. E com as escolhas de Kar-Wai.
Uma das melhores passagens do filme concentra-se em Memphis, na história de Travis, policial durante o dia e um amante amargurado à noite. Ele sofre, sente dor e amor. Elisabeth o conhece aos poucos, assim como nós, que simpatizamos com os sentimentos do homem apaixonado e seus copos de bebida. Aliás, muito dele é desconstruído - construído para nós- no diálogo de Raichel Weisz e Elisabeth, já no fim da passagem, com simplicidade e densidade. Em seguida conhecemos Las Vegas e uma Natalie Portman viciada em jogos, sua maneira golpista, metirosa e desconfiada de viver, um contraponto e complemento para a personalidade de Elisabeth. Juntas, saem pelas estradas- que agora sim tem seu tempo e não precisam ser vertiginosas. O filme, assim como o que a protagonista vive para ultrapassar aquele amor, se fecha num ciclo, um círculo inacabado que forma uma espiral, pois antes de se concluído o caminho se desvia, para formar um novo ciclo.
A trilha sonora não poderia deixar de ter canções da protagonista, na sua versão cantora, mas isso não atrapalha a bela seleção de músicas, que são ouvidas- sim, você consegue sentir a música, em geral esquecida em outros filmes como pano de fundo. O filme de Kar-Wai, primeiro dele em inglês, mantém suas características e tem um belo trabalho de cores, contrastes de dias e noites e os closes repetidos nas entranhas da torta de blueberry. Quem gosta das brincadeiras de edição e câmera vai gostar das fusões de imagens sobrepostas, distorção de outras com os vidros, espelhos, letreiros e neons que surgem em profusão e dos planos deliciosos, com belas jogadas e escolhas de câmera, especialmente na primeira parte, quando tudo se restringe às noites dentro do café. O filme tem diversas referências ao cinema, aos grandes cineastas, como muitos críticos já notaram- e seria inevitável dizer- há uma forte ligação com Wenders em Paris, Texas, e à obra do próprio Kar-Wai. Você vai se sentir contemplado com este filme, seja pelo singelo, simbólico, enredo ou estética.

Sessão de sexta-feira à noite, no Cinesesc, um dos melhores cinemas da cidade de acordo com os guia semanais dos mais bojudos jornais. Passada uma hora de filme, a tela se apaga, as luzes acendem. Inversão de papéis? Os personagens desaparecem e a platéia se torna protagonista. Típica situação de Saramago….
Onde foi parar aquele universo? O interrogatório das autoridades? O menino sem melhores perspectivas de vida?

Silêncio.

Constrangimento. O moço grisalho e careca sai em busca de alguém uniformizado. O casal aproveita para namorar. Os amigos planejam o próximo programa. As amigas abandonam as queixas e se concentram em comentários sobre o filme. Marido e mulher aproveitam para tomar um café- mestre de cerimônias dos intervalos não preenchidos.
Olho para cima. O técnico está trabalhando com a película, que depois fiquei sabendo que arrebentou. Queria subir, queria tê-las em minhas mãos. Só então lembrei dos avisos na bilheteria. As cópias podem apresentar defeito. Cópias. Defeitos. Defeitos. As luzes se apagam, os personagens e rostos conhecidos voltam. Silêncio. E tudo volta ao normal.

Foi assim que me descobri pensando o que é o cinema sem vida. O que é o cinema sem a luz, sem o movimento, sem a platéia e sem a viagem dentro de cada nova história. O cinema seria nada. E eu, no desespero de ter deixado todo aquele mundo ficcional escapar pelas minhas mãos, também nada seria.

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Santiago.
O que é Santiago? É um filme sobre um homem, seu tempo e sua vida, sobre seu isolamento e as amizades de papel. É um filme sobre João Moreira Salles, sobre a sua biografia, sua família e suas memórias. É um filme sobre hierarquias e jogos de poder. Talvez isso seja pouco, e o que importe mesmo seja a melancolia, a coragem e a maturidade. O movimento de João Moreira Salles é raro. Em geral, muito se faz, ou se tenta fazer, e pouco se reflete. E quando filmes muito interessantes são comentados por seus diretores, vem a decepção. Nem eles mesmos sabem o poder e a importância dos seus trabalhos. Pensando o cinema brasileiro, desde suas origens até hoje, sinto que talvez seja este um dos filmes mais importantes da nossa cinematografia, porque ele foi pensado, digerido, regurgitado, re-pensado. Ele-o filme e o diretor- teve seu tempo. O tempo, “És um dos deuses mais lindos”!

No dia 8 de abril começa a tradicional mostra retrospectiva 2007 do CineSesc. Quem não conseguiu ver os filmes do ano passado pode correr para a Augusta e tentar pegar a sessão desejada. Para você se organizar, deixo a programação completa. O ingresso custa R$6,00.

Se eu fosse você, não perderia estes filmes: Jogo de Cena, A Vida dos Outros, Em Busca da Vida, Vermelho como o Céu, Cartas de Iwo Jima, Santiago, Cartola, Mutum e Império dos Sonhos. Só não ocupem todos os lugares da sala, ou melhor, guardem um para mim. Tenho os meus atrasos para colocar em dia e estarei por lá, no mínimo, para duas sessões.

8 de abril – terça-feira
14h30 - Batismo de Sangue, de Helvécio Ratton
16h30 - Mais Estranho que a Ficção, de Marc Forster
19h - A Rainha, de Stephen Frears
21h - O Passado, de Hector Babenco

9 de abril – quarta-feira
14h30 - Noel, Poeta da Vila, de Ricardo van Steen
16h30 - Novo Mundo, de Emanuele Crialese
19h - O Grande Chefe, de Lars Von Trier
21h - Piaf, Um Hino ao Amor, de Olivier Dahan

10 de abril – quinta-feira
14h30 - Cão Sem Dono, de Beto Brant
16h30 - Babel, de Alejandro González Iñarritu
19h - Em Paris, de Christophe Honoré
21h - O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford, de Andrew Dominik

11 de abril – sexta-feira
14h30 - Notas sobre Um Escândalo, de Richard Eyre
16h30 - O Cheiro do Ralo, de Heitor Dhalia
19h - A Via Láctea, de Lina Chamie
21h - Império dos Sonhos, de David Lynch

12 de abril – sábado
14h30 - Baixio das Bestas, de Claudio Assis
16h30 - Babel, de Alejandro González Iñarritu
19h - Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho
21h - A Vida dos Outros, de Florian Henckel von Donnersmarck

13 de abril – domingo
14h30 - A Casa de Alice, de Chico Teixeira
16h30 - Em Busca da Vida, de Jia Zhang-ke
19h - Maria, de Abel Ferrara
21h - Tropa de Elite, de José Padilha

14 de abril – segunda-feira
14h30 - A Culpa é do Fidel, de Julie Gavras
16h30 - A Procura da Felicidade, de Gabriele Muccino
19h - O Violino, de Francisco Vargas
21h - O Sobrevivente, de Werner Herzog

15 de abril – terça-feira
14h30 - Não por Acaso, de Philippe Barcinski
16h30 - Conduta de Risco, de Tony Gilroy
19h - Vermelho como o Céu, de Cristiano Bortone
21h - Zodíaco, de David Fincher

16 de abril – quarta-feira
14h30 - A Comédia do Poder, de Claude Chabrol
16h30 - Cartas de Iwo Jima, de Clint Eastwood
19h - A Casa de Alice, de Chico Teixeira
21h - O Passado, de Hector Babenco

17 de abril – quinta-feira
14h30 - Saneamento Básico, de Jorge Furtado
16h30 - Medos Privados em Lugares Públicos, de Alain Resnais
19h - Viagem a Darjeeling, de Wes Anderson
21h - Piratas do Caribe – No Fim do Mundo, de Gore Verbinski

18 de abril – sexta-feira
14h30 - Proibido Proibir, de Jorge Duran
16h30 - Pecados Íntimos, de Todd Field
19h - Querô, de Carlos Cortez
21h - Tropa de Elite, de José Padilha

19 de abril – sábado
14h30 - A Via Láctea, de Lina Chamie
16h30 - Piaf, Um Hino ao Amor, de Olivier Dahan
19h - Santiago, de João Moreira Salles
21h - Uma Mulher Sob Influência, de John Cassavetes

20 de abril – domingo
11h - As aventuras de Azur e Asmar, de Michel Ocelot
14h30 - Jogo de Cena, de Eduardo Coutinho
16h30 - A Vida dos Outros, de Florian Henckel von Donnersmarck
19h - O Preço da Coragem, de Michael Winterbottom
21h - No Vale das Sombras, de Paul Haggis

21 de abril – segunda-feira
11h - Ratatoiulle, de Brad Bird
14h30 - Em Busca da Vida, de Jia Zhang-ke
16h30 - Ratatoiulle, de Brad Bird
19h - Cartola, de Lírio Ferreirra
21h - Lady Chatterley, de Pascale Ferran

22 de abril – terça-feira
14h30 - Possuídos, de William Friedkin
16h30 - O Amor nos Tempos do Cólera, de Mike Newell
19h - O Engenho de Zé Lins, de Vladimir Carvalho
21h - O Último Rei da Escócia, de Kevin Macdonald

23 de abril – quarta-feira
14h30 - Mutum, de Sandra Kogut
16h30 - A Vida dos Outros, de Florian Henckel von Donnersmarck
19h - Encontro com Milton Santos ou o Mundo Global Visto do Lado de Cá“, de Silvio Tendler
21h - O Hospedeiro, de Joon-ho Bong

24 de abril – quinta-feira
14h30 - 500 Almas, de Joel Pizzini
16h30 - A Leste de Bucareste, de Corneliu Porumboiu
19h - Carreiras, de Domingos de Oliveira
21h - Em Busca da Vida, de Jia Zhang-ke

Bom filme!